Vierne; Franck Violin Sonatas - CDA68204 - Hyperion Records - MP3 és veszteségmentes letöltések

César Franck számára úgy tűnik, hogy ez a fejlődés inkább bizalom, mintsem technika kérdése volt. Életének utolsó tizenöt évében az egyházi zenétől való eltávolodását imádó növendékei, a „la bande à Franck” ösztönözték, aki bár elismerte pater seraphicus státusát, kreatív erején és eredetiségén túl is látott: mindkettő véleményük szerint szélesebb közönséghez méltó. Franck valójában négy zongorahármast írt még az 1840-es években, de addig nem volt más kamarazene, amíg az 1880-ban a Société-ben bemutatott zongorakvintett nem volt. Saint-Saëns volt az előadás zongoristája, és Saint-Saëns első hegedűjének premierje az 1885 októberi szonáta további ösztönzést jelenthetett Franck számára, hogy vegyen részt a közeggel - és valami egészen mást produkáljon.

Saint-Saëns szonátája azzal kezdődik, hogy óriási energiát juttat az eljárásba, és ebben a tekintetben nagy hagyomány áll a háttérben. Franck viszont az orgonista örökségére támaszkodik, és az induláskor úgy tűnik, hogy megáll, mint valami varázskertben. Ez volt az a Franck, aki eljátszotta magában a „Holdfény” szonáta első hangjait, mormolva: „J'aime, j'aime.” Ugyanakkor ez a négy nyitórúd strukturálisan fontos a fő harmad intervallumának visszatartásában. ez támasztja alá a következők nagy részét. Formálisan is szokatlan ez a mozgalom: köszönhet valamit a szonáta formának, de nincs fejlődés. Ezt elhalasztják a második tételig. Akkor nem menuett vagy scherzo? Nem, egy vad (és technikailag nehéz) allegro, amely tónusában és tonalitásában (végül a d-moll d-dúr alakításában) úgy tűnik, hogy veszélyesen hangzik, mint egy finálé.

Az áloperatív recitativo-fantázia, amely maga is tele van varázslatos pillanatokkal, a legközelebb egy lassú tételhez érkezik, de a fantázia részben a hegedű szenvedélyes, elterjedt mondatai saját lendületet hordoznak, a zongora kényelmes hármasai fölött hajóznak. A fináléhoz Franck, tudva, hogy valamit ki kell találnia a második tétel megütközésére, ellenpontra fordult, és a szonátát céltudatos kánonnal koronázta meg. Mivel a szonáta 1886-ban esküvői ajándék volt Eugène Ysaÿe belga hegedűművész számára, aki abban az évben december 16-án mutatta be Brüsszelben, talán nem túl fantasztikus ezt a kánont hallani, amely két szeretőt képvisel, akik egyetlen közös életre indulnak. elme - "ahová mész, én elmegyek".

Közel húsz évvel később Ysaÿe egy másik orgonistát, Louis Vierne-t, a Franck tanítványát, 1900 óta a Notre-Dame hivatalban lévő szonátáját 1908-ban megjelent szonátára kérte. Azok az orgonisták, akik ezt furcsának találják, nem tudják, hogy Vierne 1894-ben a párizsi konzervatórium orgonájának első díja mellett 1886-ban tizenöt éves korában hegedűért is első díjat nyert. Tehát akkor is, ha Ysaÿe esetleg megérintette a hegedűírást itt-ott (ahogy szokása volt), minden bizonnyal szakmai pontszámmal kellett volna dolgoznia. Raoul Pugno zongoraművésszel 1908. május 8-án adta nagy elismerésre az első előadást, és a következő évben a Franck-szonáta és Beethoven „Kreutzer” -szonátája keretén belül újra eljátszották - némi jel arra, hogy milyen nagyra értékelik.

Az első tétel szonáta formája átfogja a fő témák tipikusan energetikai – lírai ellentétét, és a hosszú kötött hangok gyakori elhelyezése a rácsok és kifejezések közepén Francknak köszönhet valamit. De Vierne eredeti játékot játszik a zongorán történő összesítéssel, amely a B-dúr „rossz” billentyűjében érkezik, majd a hegedű „helyes” G-dúrral lép be. Egy másik különlegesség a hirtelen megállások száma, majd szünetek, de az okfejtés később világossá válik, amikor a végső kadenciához vezető lendületes vonás látszólag nyer ezekből a korábbi tétovázásokból. Az andante lebegő, ritmus nélküli kvavereivel olyan könnyen hangzik a fülön, hogy meglepetésként jön rá, hogy a szokásos nyolcütemű kifejezéseket a kromatikus harmóniák kiterjesztették tizenkétüteműre. Ezután a zene egy hangosabb „agitato” szakaszon halad át, de sebességnövekedés nélkül, ugródeszkaként a „più animato” -hoz, egy hosszú hegedűtrillával, amely viszont a nyitó nyugalom különösen szép ismétlődéséhez vezet.

E hosszú, lírai kiáradás után az intermezzo megmutatja nekünk Vierne humorérzékét és hajlandóságát az eszközök takarékosságára, amikor úgy érezte, hogy ez szükséges: ha valaha is írt egy balettet (amit soha nem írt), akkor ez így történhetett hangzott, balerinával en pointe táncolni. A finálé a második tétel „poco agitato” zenéjéhez való visszatéréssel kezdődik, és hasonlóan felgyorsul. A fő téma, amely egy beszédes háromjegyű motívumot tartalmaz (fel, majd lefelé), a beszélgetés fő témája, és a leszálló skála négy vagy öt hangjának simább egyikéhez áll. A szonáta egy újabb kötőjellel zárul az utolsó ütemig, mint az első tétel végén, és Vierne határozott szerkezetű keze ismét lehetővé teszi a közelgő G-dúrnak, hogy mágikusan haladjon végig az összes kromatikus inflexión.

Eugène Ysaÿe korának egyik legelismertebb hegedűművésze volt, Liszt és Clara Schumann egyaránt igyekeztek hallani őt és Anton Rubinsteint, aki turnépartnerként vitte. Tanárként is nagyon keresett volt, tanítványai között volt Nathan Milstein, Oscar Shumsky és Menuhin tanára, Louis Persinger. Számos remek művet is közreműködött a repertoárban, különösen saját hangszeréhez, de mire elérte harmincas éveit, némi megvetéssel tekintett vissza arra, amit eddig komponált: súlyhiányos és bizonyítja, hogy egészségtelen aggodalomra ad okot. akrobatika. Övé Poème élégiaque, 1893-ban jelent meg, az első volt a kilenc ilyen kompozíció közül, amelyek nem mindegyikében „poème” volt a címben, de ez lehetővé tette számára, hogy kövesse ösztöneit anélkül, hogy aggódnia kellene olyan dolgok miatt, mint a szonátaforma. Faurének ajánlják, akitől már zongoraötösöt rendelt. Lehetséges, hogy az elkötelezettség egyfajta ösztönzés volt arra, hogy folytassuk ezt a megbízást: ha igen, akkor ez csak enyhén sikerült, a kvintett végül az „1887, 1890-94, 1903-5” dátumokat viselte. De ezen túl Ysaÿe időnként Fauré ferde, meglepő modulációiból kölcsönöz.

Mindhárom alkotás a maga módján tiszteleg a XIX. Századi zenei gondolkodás előtt - textúráik meglehetősen sűrűek, és olyan komolyságot lélegeznek, amely anathemává vált a háború utáni Párizs fiatal esztétáinak, például Jean Cocteau-nak, akik ellenérdekeltek " zene hallgatandó, fejjel kézben ”. A Nocturno Lili Boulanger nem szorosan szövetséges e mozgalommal, mivel 1911-ben, tizennyolc éves korában írta. De tiszta vonalaiban, könnyed textúrájában és álromantikus csúcspontjának szinte ironikusan hirtelen elvetésében visszalépést mutat. hangon a korábbi francia zeneszerzők zenéje felé, míg a végén található kis idézet Debussy-ból Prélude à l’après-midi d’un faune biztosan olyan jövőt vár, amelyben Wagner már nem tartaná a hatalom gyeplőjét.

"Alors messieurs, dames ... miután komolyan kielégíti az étkezését, szorbettot fog venni?"